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Andy Montañez

Presentación
Andrés Montañez Rodríguez:
“El Niño de Trastalleres”

Trastalleres es un popular barrio industrial de la ciudad de Santurce en puerto Rico. Este es el motivo por el que Andy Montañez, nuestro Salsero del mes de abril de 2009, es conocido como el “Niño de Trastalleres”imogénito de Don Andrés Montañez y Doña Celina Rodríguez. “Junior”, como era conocido en el seno de su familia debido a que tiene el mismo nombre de su padre, creció al lado de sus 16 hermanos, y desde niño adquirió sus inclinaciones por la música, pues contó con un estímulo muy temprano y afortunado: su padre era amante del tango y de los boleros, cantaba y tocaba la guitarra.

A los ocho años de edad, “Junior” fue inscrito por su madre en el programa “La tribuna del arte”en el radio teatro de WKAQ, programa que dirigía el señor Rafael Quiñones Vidal. Andy contó cierta vez que en su presentación fue acompañado en la guitarra por el señor Pedro Rosario, padre de “Papo” Rosario, cantante del El Gran Combo.

Su primera experiencia como cantante de un grupo se le presentó haciendo la segunda voz en el trío Los Duendes, que trabajaban en bailes y dando serenatas, y su primera participación profesional la realizó en la orquesta de Luis Morales cantando boleros en el Club “El Esquife”, mientras estudiaba en la escuela vocacional “Miguel Such” de Río Piedras. Tenía 19 años de edad.

Su gran oportunidad profesional se le presentó en el año 1962, cuando, Rafael Ithier, director y pianista del recién creado Gran Combo de Puerto Rico, buscaba un cantante que reemplazara a “Chiqui” Rivera y acompañará a Pellín Rodríguez. Rafael Ithier lo puso a prueba en los estudios de WKAQ cantando el tema “Si yo tuviera un millón”. Andy se convirtió en el nuevo cantante de la agrupación Borícua que ya tiene casi medio siglo de exitosa trayectoria artística.

Nuestro “Niño de Trastalleres” perteneció al Gran Combo por espacio de quince años, durante los cuales grabó alrededor de 30 discos de larga duración. Con la institución Borinqueña se dió a conocer, logró el reconocimiento y obtuvo muchísimo éxito cantando temas como “El Swing”, “El Caballo Pelotero”, “Serrana”, “Ojos Chinos”, “Achilipu”, “Milonga Sentimental”, “Julia”, “El Son de Santurce”, “El Barbero Loco”, “Vagabundo”, “Un Verano en Nueva York”, “Lamento Jibaro”, “Concierto de Amistad” y “Cunabiche Adentro”. Pero esta es una lista parcial, lo que indica el talento y la fertilidad que tuvo el grupo.

El periplo de Andy con “Los Mulatos del Sabor” terminó en 1977, después de que en una visita de El Gran Combo a Venezuela –que estaba en medio de la bonanza petrolera–, el cantante de Santurce recibiera una llamativa propuesta de los productores de La Dimensión Latina. La agrupación venezolana ya se había ganado un lugar muy distinguido entre los grupos salseros por su pasado inmediato con el gran Oscar D’ León. El extraordinario cantante Puertorriqueño permaneció en La Dimensión Latina durante cinco años y grabó ocho discos en los que interpreta temas como “Ave María Lola”, “Nuestra Tierra”, “Quisiera Saber”, “El eco del tambo” –compuesta por Tite Curet Alonso– y algunas composiciones de su inspiración como “Cantante Errante”, “El Mundo” y “Brisas Del Norte”.

En 1981, después de de la experiencia con La Puerto Rico All Stars y La Dimensiona Latina, Andy inició su carrera musical como solista, grabando el álbum "Salsa con Cache", disco que se destacó por las canciones “Milonga Para Una Niña”, “El Juicio de los Animales” y “Una Emisora en el Cielo”. Es de anotar que como solista realizó una grabación en 1.978 titulada “Andy Montañez en una dimensión desconocida”.

A lo largo de los últimos 27 años, Andy ha grabado más de 25 álbumes como solista, la mayoría en la línea romántica. La descripción completa de estos trabajos, junto con otros datos de su vida artística, se pueden encontrar en las secciones “discografía” y “cronología” de esta misma página.Andy también grabó tres discos de boleros en compañía de Ismael Miranda y ha participado haciendo coros y como invitado en grabaciones de muchas orquestas y cantantes, que también están incluidas en nuestra sección discografía ilustrada.

De la época de Andy como solista a partir del año 1981 podemos enumerar una extensa serie de temas que fueron éxitos y se establecieron como verdaderos clásicos de la Salsa. Algunos son“La Ultima Copa”, “Barandas”, “Tema del Peregrino”, “Mi Otro Yo”, “Payaso”, “Me Gusta”, “Te Voy A Enseñar”, “Cuando Yo Te Vi” y “Casi te envidio”.

En todos estos años de vida artística, Andy Montañez ha sido considerado como uno de los más importantes impulsores de la salsa Puertorriqueña en facetas muy diversas. Desde sus inicios en la década de los sesenta hasta la primera década del nuevo siglo, en sus casi cincuenta años de vida musical, se ha destacado en el bolero, en los ritmos boricuas representados en la bomba, la plena y el aguinaldo; en la salsa tradicional con el montuno y el guaguancó, en su etapa romántica y en varios ritmos más que abarca nuestra “máxima expresión del barrio latino”. No cabe duda de que el “Niño de Trastalleres” ha realizado un destacadísimo aporte a nuestra música.

Pero eso no esto todo, pues su talento y trayectoria están unidos a su calidad humana, pues Andy es una persona alegre, jovial y a quien caracteriza una humildad que lo hace merecedor de un gran homenaje, del que este pequeño tributo quiere hacer parte.

Desde este portal salsero en Internet, www.latinastereo.com, nuestros agradecimientos y nuestras felicitaciones señor Andy Montañez por su música, su inigualable voz y su calidad humana.

¡Que viva la música!
¡Que viva la Salsa!
¡Que vivan Andy Montañez!

La Sonora Ponceña

Presentación
La Sonora Ponceña

El mes de junio hacemos referencia en nuestra sección a una excelente agrupación musical de Puerto Rico que ya superó el medio siglo de actividad artística. Se trata de la legendaria Sonora Ponceña. El nombre del grupo no llama a confusión sobre su ciudad de origen.

No cabe duda que la agrupación, fundada por Don Enrique “Quique” Lucca Caraballo en el año 1.954, se convirtió en toda una insigne institución musical de la Isla del Encanto y conquistó el corazón de los salseros en Latinoamérica y muchas partes del mundo. Su larga trayectoria musical ha sido avalada por la disciplina del grupo unida al estilo único, que inició Don “Quique” y ha sido heredado por su hijo Enrique Lucca Junior, conocido desde muy niño como “Papo” Lucca. Papo es un niño prodigio que a muy corta edad demostró su inmenso talento; creció viendo ensayar a la banda de su padre y ya hacía parte de la agrupación de su progenitor a los doce años, al tiempo que asistía a la escuela libre de música Juan Morel Campos, de su natal Ponce.

A mediados de los años 40, “Quique” Lucca conformó una agrupación llamada “Conjunto Internacional”. Años mas tarde otro grupo al que bautizó “Conjunto Sonora Ponceña”, génesis de la que se convirtió, de manera oficial en febrero de 1.954, en la Sonora Ponceña, que, como ya lo dijimos, se convertiría con el tiempo en una de las más grandes instituciones de la música Latina. Al mejor estilo de las sonoras, “Quique” diseñó un conjunto de trompetas, inspirado en algunos de los músicos de su admiración, como lo fueron Arsenio Rodriguez, El Conjunto Casino y La Sonora Matancera. Comenzaron realizando presentaciones y algunas grabaciones en los antiguos discos de 78 revoluciones por minuto. En 1.968 grabaron su primer larga duración, que titularon Hacheros pa’ un palo, el que, junto con su segundo álbum, Fuego en el 23, de 1.969, se convirtieron no sólo en éxitos, sino en verdaderos clásicos y referentes de la Salsa. Las grabaciones realizadas por la orquesta superan las 35, incluyendo algunas compilaciones que se han realizado con motivo de sus Jubileos. El grupo ha recorrido el continente llevando su mensaje musical y el estilo inconfundible que han desarrollado y el cual los identifica.

Podríamos afirmar, sin ninguna duda, que para hablar de La Sonora Ponceña es imprescindible hablar de Papo Lucca, quien se convirtió en pianista, director musical, arreglista del grupo y compositor de algunas de las canciones. Él y su padre son las figuras gestoras de una agrupación que ha armonizado nuestra música con la alegría de sus inconfundibles trompetas.

Papo Lucca se vinculó a las estrellas de Fania en 1.976, y junto al colectivo dirigido por Johnny Pacheco participó en unas dieciocho producciones musicales, entre las que mencionamos: Tribute to Tito Rodríguez (1976), Fania All-Stars Live (1978), Habana Jam (1979), Commitment (1980), California Jam (1980), Lo Que Pide La Gente (1984), Live in Puerto Rico June 11, 1994 (Coliseo Roberto Clemente) y Viva Colombia (1996); igualmente ha participado en grabaciones con Celia Cruz, Justo Betancourt, Ismael Quintana, Pete Conde Rodriguez, Camilo Azuquita, Alfredo de La Fe y La Puerto Rico All Stars.

Durante estos 54 años de aporte realizado por La Sonora Ponceña a la cultura musical latinoamericana, han hecho parte de ella grandes músicos y cantantes, como Tito Gómez, Luigui Texidor, Miguel Ortiz, Yolanda Rivera, Toñito Ledee Y Pcichy Perez. La Ponceña ha realizado presentaciones en ciudades de los Estados Unidos como New York, Orlando, Jacksonville, Miami, Washington, Connecticut, Philadelphia, Chicago, New Jersey; además de países como Méjico, Venezuela, Panamá, Perú, Colombia, Francia, Inglaterra, Suiza, España e Italia.

En esta página queremos resaltar la obra musical de La Sonora Ponceña mencionando todos los músicos y cantantes que la han conformado, realizando una aproximación a la cronología musical de su vida artística y enumerando de forma ilustrativa su discografía, así como la del gran Papo Lucca. Todo esto como homenaje a esta gran agrupación embajadora musical de Puerto Rico y de todos los amantes de su música y de La Salsa en el mundo entero.

¡Que viva la música!
¡Que viva la Salsa!
¡Que viva La Sonora Ponceña!

Pete "El Conde" Rodriguez

Presentación
PEDRO JUAN RODRIGUEZ FERRER
“El Conde” Rodríguez

Sesenta y siete años de vida, cuarenta y tres años en la música y treinta y nueve años de trayectoria en los estudios de grabación,  le otorgan una merecido sitial de honor entre los cantantes y músicos de nuestra música Latino-Antillana, a nuestro Pete “Conde” Rodríguez. Sonero, al buen estilo de los Cubanos, este Puertorriqueño hijo de Pedro y Encarnación, nació en la sureña ciudad de Ponce, el barrio Las Delicias (La Cantera), casado con Francés quien fue su apoyo musical, de cuya unión quedan Pedro Emilio e Hiracita; “El Conde” es nuestro elegido en esta nuestra sección el salsero del mes de la emisora Latina Stereo 100.9 F M en Medellín, Colombia.

El padre de “El Conde” fue guitarrista y dirigió una cuarteto, de ahí derivó el gusto por la música, de esa influencia a los cinco años de edad ya ejecutaba instrumentos de percusión en especial el bongó, también incursionó en el timbal y tocaba güiro, claves y maracas, mientras hacía coros y cantaba.

Sus inicios realmente se presentaron a la edad de veinticinco años en New York, pero aunque no se registran grabaciones, pasó como percusionista y corista en la ORQUESTA ORIENTAL CUBANA, LA ORQUESTA LAS JÓVENES ESTRELLAS CUBANAS que dirigía el trompetista Cubano Roberto Rodríguez, participó en la fundación de la TÍPICA NOVEL y por algún corto tiempo integró la ORQUESTA BROADWAY e hizo coros para la SONORA MATANCERA.

Pete recordaba con satisfacción haber acompañado con sus bongoes al Bárbaro del ritmo BENY MORE.
La historia de la música de Pete “El Conde” Rodríguez se inicia en mayo de 1962, cuando debuta al lado del Márquez de Quisquella: Johnny Pacheco, en reemplazo de Rudy Calzado, actuando al lado de Elliot Romero, Vitin López, Monguito y Rafael Vicente Dávila “Chivirico”. Pete vocalizó casi todos los temas del LP SUAVITO, cuando Pacheco se convence de su gran calidad, ahí empieza el éxito con la Charanga de el Zorro de Plata y se inicia el compadrazgo.

Pedro Juan Rodríguez Ferrer adquirió de manera oficial su nombre artístico de “El Conde” por su impecable manera de vestir, su pinta siempre impecable en todas sus presentaciones en sus inicios con Johnny Pacheco aunque ya su barbero le había endilgado anteriormente el nombre artístico con el que siempre se le conoció a este hijo de Ponce.

En 1965 El “Conde” participa en producciones del CONJUNTO SENSACIÓN del pianista Cubano Rey Roigs y el 26 de julio se graba el hit el Rincón.
Su participación en la primera producción musical bajo el sello FANIA RECORDS y su tono sonero, influenciado por el estilo típico y matancero le valió el ser tenido en cuenta para ser integrante de LAS ESTRELLAS DE FANIA en su primera presentación en el Red Garter en 1968, posteriormente en 1971 en el Cheetah y luego en el Yankee Stadium en 1.975.

Además de actuar con Pacheco, el Conjunto Sensación y Fania All Stars; “El Conde”grabó ocho producciones con su propia agrupación. Vocalizó en las agrupaciones deLarry Harlow, La Familia RMM, Jimmy Bosch, Eddie Palmieri y Tito Puente, e hizo coros y participaciones con muchas agrupaciones entre las que se cuentan  Andy Harlow, Celia Cruz, Roberto Roena, Cheo Feliciano, Tony Vega, Papo Lucca, Grupo Niche y Orquesta Bronco.

La grabación de Tito Puente y Eddie Palmieri titulada: Masterpiece / Obra maestra, RMM, grabada en Nueva York en 2000 se convirtió en  la última producción musical en la que participó nuestro gran cantante boricua, en la misma interpretó el tema “Marchando Bien”.


El “Conde” de la Salsa falleció la madrugada del sábado 2 de diciembre de 2000, víctima de un infarto cardíaco en su apartamento del Bronx en New York
Nosotros los amantes de la Salsa y seguidores de su música y sus canciones, le rendimos un sencillo y muy merecido homenaje, recordando A LA REALEZA de Las Delicias o de la Cantera de Ponce, desde este nuestro sitio en Internet www.latinastereo.comen Medellín, Colombia.

GRACIAS “CONDE”!

¡Que viva la música!
¡Que viva la Salsa!
¡Que viva Pete Conde Rodríguez !

Tito Puente

ERNEST ANTHONY PUENTE ORTIZ, o Ernesto Antonio Puente Jr., es el nuyorican (o newyorkican, apelativo con el que, como hemos dicho en otras entregas de “El Salsero”, son conocidos los hijo de inmigrantes puertorriqueños) más reconocido del mundo entero. Este prominente músico del Jazz Latino y de la Salsa nació en el barrio Harlem Hispano de Nueva York el 20 de abril de 1923 y creció inmerso entre los idiomas Español e Inglés.

Su madre lo llamaba Ernestito cuando era niño, de donde salió el Tito que se haría famoso mundialmente como su nombre artístico. Tito Puente era aficionado al baile; estudió piano, batería y percusión. Pero sus intereses lo harían cambiar la batería por el timbal, y este instrumento lo daría a conocer en todo el planeta.

Oír cantar a Miguelito Valdés y escuchar el piano de Anselmo Sacassas con el Conjunto Casino se convirtió en la primera de las influencias que lo llevarían a ser uno de los más grandes exponentes de la Música Latina. Recibió gran ayuda del pianista cubano José Curbelo, y realizó sus primeros pasos en la Música al lado de Noro Morales y en la Orquesta del gran Machito, en la que conoció a Mario Bauza al comienzo de la década del cuarenta. Bauza fue quien le enseñó los secretos de la clave en la Música Cubana.

Tito Puente prestó servicio militar vinculándose a la Marina de los Estados Unidos durante la II Guerra Mundial, pero el ambiente bélico y de confrontamiento no le impidió conocer los pormenores de las grandes bandas que contribuían con la mejora del ánimo de los combatientes.

Terminado este período de guerra, Tito Puente tocó con las bandas de José Curbelo, Frank Marti, Fernando Álvarez y su Grupo Copacabana, además de Pupi Campo. También realizó sus estudios de composición, armonía y orquestación en la prestigiosa Julliard School of Music.
En 1.947 conformó su primera agrupación: El Conjunto The Picadilly Boys.  Oficialmente la Orquesta de Tito Puente se fundó en julio de 1.949, y su primeros éxitos fueron  “Abaniquito” y “Ran kan kan”. Por esa época, Tito incluyó el vibráfono en la historia de la musica tropical latina. Tito es considerado uno de los responsables en la difusión de la  mezcla de la Música de Jazz con la Música Cubana. Durante más de veinte años la orquesta de Tito Puente fue una de las más famosas en compañía de las bandas de Tito Rodríguez y Machito.

En la década de los cincuenta le dió al timbal, su instrumento favorito, la importancia que no poseía. Empezó a ubicarlo al frente de la orquesta, de modo que el escenario advirtiera que no se trataba ya de un acompañamiento periférico. Desde entonces, el timbal se convirtió en un instrumento fundamental en las orquestas de Salsa, y estamos de acuerdo en lo que afirman los autores e investigadores de la vida musical de Tito Puente: “El timbal bajo la influencia de Tito Puente fue utilizado como un instrumento para unir la banda con la sección de la tumba (conga) y el bongó”.

En esta exitosa época, Tito Puente graba álbumes como: “Puente in Percusion”, “Cuban Carnaval”, “Mamborama”, “Puente goes Jazz”, “Top percusión”, “Puente Swings”,  “Puente in Love” y “Dance manía.

Los músicos y cantantes con los que grabó son muchos y muy talentosos. Tito se convertía en un referente, en una leyenda, lo que nos obliga a hacer citas de una lista que se queda corta: Santos Colón, Celia Cruz, La Lupe, Rolando Laserie, Las Estrellas de Fania, Ray Barreto, Charlie Palmieri, Rubén Blades, Eddie Palmieri, Giovanni Hidalgo, Humberto Ramírez, José "El Canario" Alberto, Millie Puente, Orquesta De La Luz, Poncho Sánchez, Pete “Conde” Rodríguez, Tico Alegre All Stars y Vicentico Valdés... entre muchos otros.

En 1.963 grabó su famosísimo número “Oye cómo va” para el sello Tico Records. Este tema fue popularizado por el guitarrista de Rock Carlos Santana. En 1.969 Recibió las llaves de la ciudad de Nueva York de manos del alcalde John Lindsay, condecoración de una gran importancia simbólica para todos los nuyorricans, pues dar una bienvenida incondicional a Tito Puente era reconocer la importancia de la nueva generación de hijos de inmigrantes puertorriqueños para el país del norte.

Demostrando su versatilidad, Tito Puente realizó grabaciones en la década de los setenta con la tendencia salsera de la época como: “Pa' lante! (Straight!)”, “Para Los Rumberos”, “Tito Puente and His Concert Orchestra”  “La Leyenda” y “Homenaje a Beny More”, con el que recibió su primer disco Grammy.

Tito realizó una de sus más importantes giras en el año 1.979 cuando visito Japón. Los orientales empezaron a escuchar nuestra música latina de la mano del Rey del Timbal. Ese mismo año actuó para el presidente de los Estados Unidos, Jimmy Carter, en la celebración Mensual de la Herencia Hispana.

A continuación relacionamos una serie de acontecimientos que demuestran su grandeza:
En 1980 creó la “Tito Puente Schoolarship Foundation” con la colaboración de los músicos Joe Conzo y Roberto Rodríguez para subvencionar a los músicos jóvenes con talento pero sin recursos económicos. En 1.983 obtuvo su segundo Grammy con la producción musical“On Broadway”. Y el tercero dos años después, con el disco “Mambo diablo”. En 1.987 en la ciudad de Los Ángeles en un extraordinario concierto de jazz latino, Tito tocó al lado de Sheila, Pete y Juan Escovedo titulado “Familia Latina”. Ese mismo año hizo parte de la película “Días de Radio”. Su cuarto premio Grammy lo recibió por la publicación de su trabajo discográfico titulado “Goza mi timbal” en 1.990.  El año siguiente participó y actuó en la película “Los reyes del Mambo” y también grabó su disco número 100 con la colaboración de los salseros más destacados del momento. En los años ochenta se presentó en el show de televisión de Bill Cosby, y protagonizó el film “El rey del Mambo” en 1.992. Su quinto Grammy (en la categoría “Best tradicional tropical latin perfomance”) lo ameritó el  álbum “Mambo Birdland”, grabado para el sello RMM en el año 2.000. En 1990 le concedieron su propia estrella en el Paseo de la fama en  Hollywood y en cuatro ocasiones le fueron concedidos doctorados honoríficos. Recibió la Medalla Nacional de las Artes por el Presidente Clinton en 1997. El New York Times ha escogido su disco “Dancemania” como uno de los 25 álbumes de más influencia en el siglo 20. Finalmente, en mayo de 2.000 Tito tocó con la Orquesta sinfónica de Puerto Rico, y ese mismo mes, el 31, falleció en Nueva York a los 77 años.

Tito Puente grabo más de ciento diez discos, y existen más de ciento veinte discos compilatorios de su música. Su legado es todo un record a nivel mundial, tránsito exitoso por los momentos de gloria del Mambo, el Chachachá, la Pachanga, el Guaguancó, el Son Montuno y el Latin Jazz. Durante muchos años condujo sus dos colectivos musicales una Gran Jazz Band y un conjunto pequeño con las cuales realizaba sus grabaciones y conciertos.

Con todo lo que se ha dicho y lo que hay por decir, las músicas del mundo y en especial la Música Latina encontraron en Tito Puente uno de los máximos exponentes de la cultura musical legada a la humanidad. Desde este nuestro sitio en Internet, en nuestra sección El Salsero del Mes, recordamos al gran maestro Tito Puente y le rendimos este sencillo homenaje a quien fue, es y será nuestro Rey de la Musica Latina.

El resto, querido cibernavegantes, es hacer silencio y escucharlo, expresando así nuestra admiración.

¡Que viva la música!
¡Que viva la Salsa!
¡Que viva Tito Puente

El Gran Combo

“La Universidad de la Salsa”

El mundo entero no ignora que muchas de las agrupaciones que hacen parte de La Máxima Expresión del Barrio Latino, La Salsa, provienen de Puerto Rico, a la que se conoce como “La Isla del Encanto”. Entre las mejores tenemos que mencionar a una de las instituciones pioneras en el mundo musical Latino: la Universidad de La Salsa, EL GRAN COMBO, la misma que en 2.007 cumple cuarenta cinco años de su fundación. O mejor, cuarenta y cinco años de Salsa, Sabor, Sentimiento y Rumba.

Desde esta sección, El Salsero del mes de nuestra página de Internet, realiza un sencillo pero muy sentido y sincero homenaje a una de las mejores y mas reconocidas agrupaciones musicales de la Salsa en Puerto Rico, Latinoamérica y el mundo, cuyas virtudes, refiriéndonos a todos los aspectos, han sido un ejemplo digno de admiración y emulación. Prueba de ello es que no sólo están cumpliendo 45 intensos años de producción, sino que han logrado mantenerse vigentes durante todo ese tiempo. Sin ninguna duda la disciplina, la unión, el compañerismo y el excelente trabajo musical del que siempre ha hecho gala le ha hecho merecedora de un lugar privilegiado y honorífico en la musica, ya no latina, ya no de nuestra expresión del barrio latino, sino del mundo, en todo el ámbito de la música tanto popular como culta. ¡Felicitaciones Gran Combo de Puerto Rico!

Conviene que hagamos una reseña histórica: Su fundación se remonta al año de 1.962. Podemos afirmar que emanó del legendario grupo de Rafael Cortijo y su Combo, dado que varios de sus integrantes iniciales pertenecieron éste. La primera etapa de El Gran Combo comprende unas veintidós producciones musicales desde su fundación hasta 1.969, etapa en la que grabaron para el sello Gema de Puerto Rico. A partir de 1970 la agrupación de Don Rafael Ithier crea su propia empresa disquera, que se llamó Combo Records con la que grabaron por veinticinco años consecutivos hasta 1995. Para la empresa Fonovisa grabaron en 1995 y 1996. Entre 1998 y 2001 grabaron nuevamente para Combo Records, en 2004 para Sony Discos y en 2.006 firmaron con la empresa Codiscos de la ciudad de Medellín en Colombia, con la cual realizaron su más reciente producción titulada “Arroz con Habichuela”.

A diferencia de muchas otras agrupaciones, El Gran Combo se caracteriza por haber sido constante en su nómina, en tener mucho cuidado en cambiarla. Esta política de la orquesta hace que sus integrantes lleguen para quedarse. De sus fundadores aún se mantienen Don Rafael Ithier, su director, y el saxofonista Eddie Pérez “La Bala”, quienes también fueron integrantes del Combo de Cortijo. Sus cantantes fueron Andy Montañez y Pellin Rodríguez en los años sesentas, y fueron reemplazados por Charlie Aponte, Jerry Rivas y Papo Rosario en los setentas, manteniéndose vigentes hasta hoy con sus éxitos. Con los músicos sucede igual, la mayoría han estado por casi treinta años.

El aporte musical de La Universidad de la Salsa, como se la conoce desde 1.983, es enorme. Sus grabaciones de larga duración superan los 62 trabajos musicales, además de participar en innumerables aniversarios y recopilaciones. Su gran cantidad de éxitos y sus presentaciones en muchísimos países del mundo les han merecido premios, discos de oro y el reconocimiento de millones de personas en el mundo entero.

La Universidad de la Salsa es, sin duda, uno de los más importantes referentes en el desarrollo de la música afro-antillana y afro-caribeña durante los últimos 50 años. El aniversario número 45 será celebrado con una gira internacional, en la cual, y por fortuna para todos nosotros, han incluido a nuestro país

¡Felicitaciones a nuestra maravillosa Universidad de La Salsa!

¡Que viva la Música!¡Que viva la Salsa!¡El Gran Combo!

Fruko

Sin temor a equivocarnos, y con una pequeña dosis de “orgullo paisa”, podemos afirmar que el más importante representante de la máxima expresión del barrio latino: La Salsa, de nuestro país, Colombia, es el maestro Julio Ernesto Estrada Rincón. Conocido popularmente como “Fruko”, nació en 1951 y se crió en el popular barrio Naranjal, en pleno corazón de la ciudad de Medellín.

Desde muy niño se interesó por la música, la cual estaba en sus venas, Los abuelos de “Fruko” eran cubanos, así que ya llevaba la música en sus venas y no fue extraño que se interesara desde muy niño por ella. Le compró una pequeña flauta, su primer instrumento musical, a Crescencio Salcedo, compositor de “El año viejo”. Siendo apenas un adolescente y gracias a la intermediación de sus tíos se vinculó a los estudios de grabación de discos Fuentes, donde tuvo la oportunidad de conocer a artistas de la talla de Daniel Santos y Miguelito Valdés, “Mr. Babalú”.

En la que era entonces la disquera más importante del país se dedicaba a cargar cables, pero aprovechó para conocer los instrumentos musicales y sus diferentes sonidos. Sus tíos le enseñaron los pormenores de la ingeniería de grabación y en las instalaciones de la empresa conoció a quienes más adelante se convertirían en sus mentores y sus compañeros: los integrantes de la agrupación “Los Corraleros del Majagual”, entre los que se encontraban Alfredo Gutiérrez, Calixto Ochoa, Eliseo Herrera y Lisandro Meza.

“Los Corraleros del Majagual” no es un grupo de Salsa, pero, dada la influencia ejercieron sobre Fruko, podrían ser considerados la génesis del movimiento salsera en nuestro país. Julio se vinculó a la agrupación como timbalero, y realizó con ella sus primeras giras internacionales, viajando a Venezuela y a Nueva York.

Sus compañeros lo llamaban “Joselito”, pero no fue así por mucho tiempo, y una anécdota cuenta porqué: “La salsa de tomateFruko, el secreto del sabor” era el eslogan de una propaganda de una marca de conservas que llevaba una muñeca en su etiqueta. Alguien encontró que entre esa muñeca y Julio había un gran parecido, lo que le mereció el apodo que se convertiría en el nombre para su agrupación musical.

La orquesta de Julio fue bautizada como “Fruko y sus Tesos” por el maestro Jorge Gaviria, trompetista de la ciudad de Medellín que hizo parte de la agrupación. El término “teso” se deriva de la palabra tesón, y se usa para designar, en el lenguaje callejero y popular de la ciudad, el parlache, al destacado, al mejor, al que más sabe sobre cierta temática. La palabra sigue vigente y su uso es muy común a pesar del tiempo que ha pasado desde que la orquesta comenzó a llamarse así.

Fruko grabó su primer álbum en 1970 con la colaboración de los hermanos Fuentes. Se llamó "Tesura" (es decir, la condición del que es “teso”, la calidad del que es muy destacado). El álbum incluyó ocho temas, de los cuales siete son inspiración de Fruko, y el octavo un canción del gran Tite Curet Alonso titulado “La Esencia del Guaguancó”. Durante los siguientes cuatro años grabó álbumes como: "A La Memoria del muerto", "Fruko el bueno", "Ayunando", "El violento" y "El caminante". De ellos salieron temas muy exitosos como “A La Memoria del muerto”, “La cara del payaso”, “Tú sufrirás”, “El ausente”, “Tronco seco”, “Nadando”, “El árbol”,“Tania” y “El caminante”.

El historial es ya notable, pero es el año de 1975, el más importante en la vida musical del maestroFruko, porque le concede un lugar privilegiado, lo lanza definitivamente al estrellato musical latinoamericano, con el álbum Fruko el grande, puesto que en él está incluido el tema epítome por excelencia de la carrera musical de Fruko en la Salsa: “El Preso”, compuesto por el músico Álvaro Velásquez.

Fruko grabó en 1978 la canción “El Cocinero Mayor”, de Isaac Villanueva. Esta canción le da el nombre al disco de larga duración en el que nuestro gran maestro tuvo con la suerte de contar entre los participantes al gran cantante Celio González, una de las grandes estrellas del conocido“Decano de los Conjuntos” cubano: La Sonora Matancera.

Durante su carrera musical, Fruko ha sido el director y arreglista de agrupaciones como The Latin Brothers, una orquesta con trombones; La Sonora Dinamita; Wganda Kenya que era una agrupación con saxos, sintetizador y coros; Los Afro Sound, una agrupación con percusión y guitarras que, según palabras del maestro Fruko, interpretaba canciones como “Cali Ventura” y música tropical.

Escribe Juan José Hoyos en 2004 para el periódico El Colombiano, de la ciudad de Medellín:“Fruko también ha participado como arreglista, músico, compositor, intérprete, productor e ingeniero de sonido en más de 7000 canciones. El único músico que supera esa cifra en el ambiente latino es Francisco Canaro, compositor argentino que grabó o ayudó a grabar más de 9000 canciones”. 

Fruko ha visitado más de 250 ciudades en aproximadamente setenta países del mundo, Fruko y sus Tesos fue la primera orquesta colombiana que se presentó en el Madison Square Garden de Nueva York; por su orquesta han pasado los cantantes Humberto González, "Piper" Pimienta Díaz, Joe Arroyo, Wilson “Saoko” Manyoma, Celio González, Juan Carlos Coronel, Orlando Contreras, La India Meliyará, May González, John Jairo y Joseito Martínez, Gabino Pampini, Álvaro Pava, Chucho Nuncira, Harold Peláez, Delfo Ballestas, entre otros. En el año 2003, el maestro Fruko conformó una orquesta de gran formato con la que grabó una serie de discos en los cuales incluyó los grandes ritmos cubanos que, por excelencia, son el mambo, la pachanga, el son, el montuno, la guaracha, la guajira y el bolero.

Como reza el viejo dicho, nadie es profeta en su tierra, y nuestro gran Julio Ernesto Estrada no ha sido la excepción. Ni a nivel nacional ni regional se ha reconocido, como en verdad se lo merece, al más grande de la Salsa en Colombia. Por eso, desde nuestro sitio en Internet www.latinastereo.com queremos rendirle un pequeño pero muy sincero homenaje al maestro Fruko por su carrera artística de más de cuarenta años de aporte a la cultura musical de Latinoamérica y el mundo.

¡Muchísimas gracias, señor Julio Ernesto Estrada Rincón!

¡Que Viva La Música!
¡Que Viva La Salsa!
¡Que Viva Fruko!

Bobby Capo

resentación
Félix Manuel Rodríguez Capó
"Bobby Capó"

Es nuestra querida isla de Puerto Rico la que ha visto nacer –para bien de toda nuestra cultura musical latinoamericana– al personaje con el que iniciamos nuestra sesión en el 2.009. Se trata de un cantante y presentador de televisión y funcionario público nacido en el pueblo de Coamo el primero de enero de 1921. Su mayor aporte lo realizó como compositor, hasta el punto de estar al mismo nivel de otros tres grandes compositores boricuas: don Rafael Hernández, don Pedro Flores y don Tite Curet. Se trata del ya muy conocido pero aún no justamente valorado Bobby Capó, el nombre artístico de Félix Manuel Rodríguez Capó.

Bobby nació con unas condiciones innatas para la composición. Desde que contaba apenas 13 años ya ejercitaba su pluma, y escribió su primera canción titulada “Carmen”. A los 15 años empezó a cantar en radio, primero en el programa “La Tribuna del Arte” y dos años después en “Ofertas Matinales” en San Juan.

En 1939 Bobby reemplazó a Pedro Ortiz Dávila, “Davilita”, en el Cuarteto Victoria de Don Rafael Hernández. El año siguiente visitó Aruba, Curazao y nuestro territorio colombiano, y también hizo su primera grabación con el Cuarteto Marcano titulada “Noche y Día”, para el sello Decca.

Pero esto es sólo el comienzo. La lista de músicos y agrupaciones con las que Bobby Capó hizo grabaciones es muy extensa, entre las que se incluye el catalán Xavier Cugat, con quien grabó “Bilongo”, canción que posiblemente no muchas personas podrán reconocer si no se le dice “La Negra Tomasa”. La lista de grabaciones incluye al Cuarteto Caney, Noro Morales, Machito, Roberto Quintón y José Morand. En 1.945 grabó para el sello Seeco de Sidney Seegel, que había sido fundado recientemente.

En 1946, Bobby actuó en diferentes sitios nocturnos de la ciudad de Nueva York al lado de “Mister Babalu”, Miguelito Valdés, quien a la postre lo recomendaría con las directivas de la famosa emisora RHC Cadena Azul de La Habana, y en la capital cubana fue contratado para trabajar con orquestas como las de Rodrigo Prats, Leonardo Timor, Adolfo Guzmán y Avelino Muñoz, con quien grabó el exitoso tema “La Múcura”, composición del colombiano Antonio Fuentes.

Su fama en Cuba se hizo sentir con mucha fuerza, y convirtió a La Habana en su hogar. No era extraño que posteriormente, en 1.948 fuera vinculado a la legendaria Sonora Matancera al lado del también boricua y gran cantante Daniel Santos.

Bobby se radicó los siguientes doce años en Puerto Rico porque su residencia allí le facilitaba los desplazamientos por todo el continente. La emisora Voz Dominicana de Santo domingo lo contrató para trabajar con la Orquesta de Avelino Muñoz. Es por esa época que a alguien se le ocurrió llamarlo “El Ruiseñor del Caribe”. También grabó con la orquesta Siboney de Pepito Torres, con El Trío Vegabajeño y con La Orquesta de Cesar Concepción.

En 1.952 viajó de Puerto Rico a Cuba para grabar con el conjunto de Rogelio Martínez por disposición de Sydney Seegel, propietario del sello Seeco. En esa ocasión grabó nueve temas, entre los que se cuentan los extraordinarios éxitos “Piel Canela” y “Así son los Quereres”, ambos de su autoría.

Luego, entre los años 1.956 y 1.958, estuvo en México grabando con las orquestas de Mario Ruiz Armengol, Rafael de Paz, Luis Arcaraz, Chucho Zarzosa y Pablo Beltrán Ruiz.

Bobby Capó demostró su versatilidad participando en el cine a lo largo de las décadas del cincuenta y sesenta en muchas películas, especialmente en México. Su última aparición como actor la realizo en la película “El Jibarito Rafael”, en un homenaje al gran maestro Rafael Hernández en Puerto Rico. Muchas de sus canciones fueron llevadas a la pantalla grande.

Fueron más de cuatrocientas canciones las que grabó con gran número de orquestas y grupos. Algunas de sus composiciones (se cree que pasaron de mil) han sido cantadas por muchos intérpretes en varios países del mundo. Su fuerte en la composición y el canto fueron los boleros, y es considerado el creador del llamado bolero rítmico. También compuso canciones en otros estilos pero a menor escala, como en la rumba y la guaracha, y trató todo tipo de temas, pues sus canciones eran románticas, hablaban de de infidelidad, algunas tenían muy buen sentido de humor y otras se refieren al folclor boricua.

El “Sonero Mayor”, Ismael Rivera, interpretó algunas de las canciones más representativas de Bobby Capó, como “El Negro Bembón”, “Las Tumbas”, “El Incomprendido”, “Que Te Pasa a Ti”, “Sale el Sol” –que en realidad se llama “Dormir contigo” –, “Monta Mi Caballo”, “Ella No Merece Un Llanto”, “Quiero a Mi Pueblo”, “Que Seria De Mi” y “Si Te Cojo”, temas considerados clásicos de la Salsa.

En junio de 1.989 estuvo en la celebración del aniversario número sesenta y cinco de la legendaria Sonora Matancera, al lado de otros grandes músicos y cantantes como lo fueronCelia Cruz, Daniel Santos, Vicentico Valdés, Leo Marini,Nelson Pinedo y Celio González, por mencionar algunos. Esta celebración se llevó a cabo en el Carnegie Hall y en el Central Park de Nueva York, ciudad donde fallecería el 18 de diciembre del mismo año a la edad de sesenta y siete años, víctima de un infarto. Su cuerpo fue trasladado a su natal Puerto Rico y fue sepultado el día veinte en el cementerio municipal de Coamo, su pueblo.

En esta oportunidad queremos hacer un pequeño homenaje a uno de los grandes de la música de Puerto Rico en reconocimiento de todo su grandioso aporte a la cultura de nuestra música Latina.

¡Que viva la música!
¡Que viva la Salsa!
¡Que viva Bobby Capó!

Ismael Rivera

“El Sonero Mayor”, “El brujo de Borinquen” o simplemente “Maelo” como se le conoce, es considerado como uno de los mas grandes exponentes de la Salsa. Este Boricua que nació y murió en Santurce, representa el sentir, no sólo del pueblo portorriqueño, sino de todos los pueblos de habla hispana, principalmente en los asentamientos pobres de las grandes urbes latinoamericanas.

Este niche, que vivió 56 años y 7 meses, descrestó a los entendidos de la música, cautivó a los amantes de la Salsa y se quedó en el corazón de todos los que escuchamos su voz. Ismael Rivera conoció la pobreza y la riqueza, la libertad y la prisión, y a pesar de no haber sido ajeno a los vicios que el mundo nos presenta, siempre supo practicar la caridad, fue muy generoso con sus semejantes, en ocasiones en exceso, algo que a muchos se nos dificulta.

A pesar de no haber sido un estudioso de la música, Maelo nació con el don de cantar, componer e improvisar, con su voz fuerte y con la capacidad de sonear ante el público y el micrófono.

También tuvo la suerte de conocer a temprana edad a su colega y amigo Rafael Cortijo, tres años mayor que Maelo. Fue otra gloria de la música de Puerto Rico, quien hizo grande el folclor boricua representado en sus ritmos: Bomba y Plena.

Como todos los grandes, grabó temas de los mejores compositores de la Salsa, de sus amigos músicos, de su propia madre y también colocó el sello a su pluma creadora con temas como: “Huy que pote”, “Besitos de coco”, “Chambeleque”, “Sola vaya”, “Simbad el marino”, “Mi libertad eres tu”, “Aquí estoy yo ya llegué”, “Los vaqueros”, “Borinquen”, “Lejos de ti”, “Amor salvaje”, “King Kong”, “Lo dice la luna”, “Magoo’s bóogaloo”, “ Ismael y Monchito”, “Cordero y Belmonte” y “La cumbita”.

Como todo ser humano, Ismael Rivera también decía “¡No!”, así sonara a orgullo en algunas ocasiones: los dueños de Fania siempre quisieron al Sonero Mayor en sus filas, pero su respuesta siempre fue negativa. Como dice Tito Nieves: “... el dinero lo compra todo, menos la felicidad, el amor y la salud ...”. Al final, Fania compró a Tico y Alegre, para quien grababa Ismael, y nuestro sonero quedó bajo la tutela del emporio Fania Records.

La empresa publicó algunas compilaciones de sus temas y sólo tuvo la fortuna de grabar tres temas del “Brujo de Borinquen”: “Bilongo”, que aparece en el álbum “Latin Connection”, y dos temas grabados en vivo para el disco “LIVE”, de 1.978; “El Nazareno” y “Cucala” a dúo con la Reina de la Salsa, Celia Cruz.

Ismael con Cortijo hacía gala de los ritmos Portorriqueños, así como de la guaracha, el bolero y el Son Montuno.

Ismael Rivera fue bautizado “El Sonero Mayor” nada mas ni nada menos que por Benny Moré, una de las figuras mas grandes de la música popular del siglo pasado y a decir de su madre doña Margarita el cantante preferido de Maelo era otra figura gigante de la música Latina, hablamos de Tito Rodríguez.

Se han publicado unos cincuenta trabajos musicales de Ismael Rivera en formatos de Long Play y Compact Disc, al rededor de veinte son recopilaciones, dos son con Kako Bastar, uno con Lito Peña, uno con Tico Alegre All Stars, dos con Fania All Stars, diecisiete con Cortijo y unos nueve con su propia banda.

Lo que me dijo Maelo

Aunque en ocasiones se el incomprendido y viva en la soledad, mi música es la oportunidad de expresar que yo no quiero piedras en mi camino y mi profesión esperanza me ayuda a confiar en el nazareno que cuidara a mis amigos: a ustedes que son mis queridos amigos.

Cuando me pregunten: ¿Qué te pasa a ti?, les diré que yo soy el niche, que mi negrita me espera hasta que sale el sol en mi jaragual porque yo soy del campo.

Sí, soy feliz porque te tengo a ti, Angélica, dueña de mi inspiración, pero si no me quieres, dime la verdad, porque si te cojo no querré ser un tonto del amor que derrame lagrimas puras y deba utilizar el pañuelito.

Se bien que el que no sufre no vive, pero de todas maneras rosas para quien ya me olvido,: si eso fue lo que dijo la gitana, pues entonces no soy para ti.

Le pido a el Mesías y a San Miguel Arcángel que no me dejen ir nunca a las tumbas para poder seguir Borinqueneando con elnegrito bembón, el compay chipuco, el tuntuneco y el chivo de la campana.

Soy buena gente y con las caras lindas de todos ustedes quiero ir a mi pueblo, porque llego navidad y traigo de todo, traigo uncantar maravilloso y traigo Salsa.

¡Que viva la música! ¡Que viva la Salsa! ¡Que viva Ismael Rivera!

Algunos conceptos de otros grandes de la salsa, con respecto a Ismael Rivera en un concierto celebrado en Puerto Rico en homenaje al sonero mayor:

Ismael Miranda: “Ismael Rivera, lo que él nos ha brindado a nosotros con su música, con todo el talento y para mi especialmente yo le brindo un homenaje especial por la ayuda que el me ha prestado a mi como persona y como gran amigo en este ambiente musical”.

Héctor Lavoe: “Bueno me encuentro muy bien muy contento de hacer esto para Ismael que ha sido chévere conmigo todo el tiempo y un gran amigo, compañero tantas cosas que tengo que decir de él no hay palabras para explicar”.

Pete “conde” Rodríguez: “ Lo conozco más por oírlo que en persona, lo vine a conocer hace como 8 años, pero cuando él salió cantando en 1.953 y lo conocí por el talento que tenía en la manera de improvisar.

Rubén Blades: “Yo conocía a Ismael Rivera en 1.962 a través de mi papa que fue músico también en sus tiempos cuando Ismael Rivera visito Panamá junto con esa gran agrupación con Rafael Cortijo ... escuche su música, crecí con su música ...”

Cheo Feliciano

José Luis Ángel Feliciano Vega, Presentación

En esta oportunidad, la sección El Salsero del Mes de nuestro portal en Internet hace referencia a uno de los cantantes más queridos que ha dado nuestra música. Se trata de un sonero oriundo del barrio Pancho Coimbra, de la sureña ciudad de Ponce en Puerto Rico, donde nació en 1935. Hablamos del gran José Luis Ángel Feliciano Vega, conocido en el mundo de la música como Cheo. En efecto, el hijo de Prudencio y Crescencia es dueño de una voz maravillosa que ha hecho disfrutar a todos sus fanáticos durante más de medio siglo.1. Los inicios de Cheo Cheo creció en Ponce, donde estudió música en la Escuela Juan Morel Campos. Pero su carrera artística inició a los 17 años en la ciudad de Nueva York, a donde llegó con su familia en 1952. Sus primeros pasos en la música fueron como percusionista con el grupo "Ciro Rimac's Review". Después trabajó con el Conjunto Marianaxi, dirigido por el maestro Luis Cruz, tocando la conga. Más tarde, en 1953, se desempeñó como percusionista con la orquestra "Kako Bastar y su Trabuco". Para el año 1956 ya hacía parte de la banda de Tito Rodríguez, haciendo las veces de bandboy o utilero. Fue entonces cuando Cheo tuvo la fortuna de que Tito Rodríguez lo escuchara cantar, lo que llevo a que el maestro le diera la oportunidad de cantar en el famoso Palladium. Fue allí cuando Tito Rodríguez le regaló al mundo de la música latina a uno de los más grandes exponentes de nuestra cultura musical: Cheo nació como cantante a través del gran maestro Tito Rodríguez.  2. Joe Cuba y Los Años Sesenta Pero Tito no solo le dio la oportunidad de cantar a Cheo. También lo recomendó con el percusionista Gilberto Miguel Calderón, el recordado Joe Cuba, quien después de una audición le dio la aprobación para reemplazar en su agrupación al cantante Wille Torres. Cheo debutó en 1957 con el sexteto del conguero cubano, el mismo día de su boda, el 5 de octubre, cuando contrajo matrimonio conSocorro Prieto León. Cheo permaneció hasta el año 1966 con Joe Cuba. Durante este período grabó los siguientes álbumes: Joe Cuba Sextet. Chachacha' s To Soothe The Savage Beast, 1958; Steppin' Out, 1962; Diggin' The Most, 1962; Vagabundeando! Hangin' Out, 1963; El Alma Del Barrio/The Soul of Spanish Harlem, 1964; Comin' At You, 1965; Bailadores, 1965; Red Hot And Cha Cha Cha, 1965; y We Must Be Doing Something Right (Estamos Haciendo Algo Bien). Casi desde el inicio de sus grabaciones con Joe Cuba, Cheo logró consolidar su voz en el mundo de la música latina inicialmente en Nueva York y luego en Latinoamérica. Entre los temas éxito se encuentran los siguientes: "Joe Cuba's Mambo", "A Las Seis", "Brava Pachanga", "Salsa y Bembé", "Cachondea", "Oriente", "Siempre Sea", "El Ratón", "Tremendo Coco", "El Chichón", "So What", "El Pito", "Lo Bueno Ya Viene" y "Bailadores".  Las disqueras que publicaron los LP de Cheo con Joe Cuba son las siguientes: Mardi-Gras, Tico y Seeco Records, además de realizar grabaciones en la misma época con The Alegre All Stars, Cesta The Cesta All Stars, Pete Rodriguez y Orlando Marín & His Orchestra. Luego de diez años con Joe Cuba hizo parte de la grabación de los álbumes Champagne, del maestro Eddie Palmieri, Hey Sister deMonguito Santamaría y Salsa Máxima con Cesta All Stars titulado. En el año 1968 Cheo se retiró de la música por un tiempo debido a un problema de drogadicción. Fue recluido en Hogares Crea, un centro de rehabilitación en Puerto Rico. Allí, con la ayuda de su esposa y de algunos amigos como el maestro Tite Curet Alonsologro, para fortuna de los amantes de la Salsa, logro salir definitivamente de su adicción. Como veremos más adelante, Tite no sólo le ayudó a superar un problema personal. 3. Los Años Con Fania Gracias al maestro de la conga, el gran Ray Barreto, quien recomendó a Cheo Feliciano con Jerry Masucci, Cheito hizo su reaparición en el mundo de nuestra máxima expresión del barrio latino con un maravilloso álbum titulado "CHEO" y grabado en el año 1971 por el sello musical Vaya Records. Contó con la participación de músicos notables: como Johnny Pacheco en la Conga, Larry Harlow en el piano, Orestes Vilato en los timbales, Louie Ramírez en el vibráfono y Bobby Valentín en el bajo. Ese álbum impactó con los temas "Anacaona", "Por Que Afinquen", "Por Mi Llueve" y "Mi Triste Problema". Cheo fue vinculado de inmediato al colectivo de Fania All Stars. Bajo la dirección del maestro Dominicano Johnny Pacheco, agrupación con la cual realizó múltiples grabaciones, tales como: Live at the Cheetah, 1971; Our Latin Thing / Nuestra Cosa Latina, 1971; Live In Africa, 1974; Latin-Soul-Rock, 1974; Salsa, 1975; Live In Japan, 1976; Fania All Stars at Yankee Stadium, 1976; Tributo a Tito Rodriguez, 1976; Live, 1978; Commitment, 1980; Latin Connection, 1981; Live In Puerto Rico, June 1994; Bravo, 1997; y Viva Colombia, 1997. Como vocalista de Fania, Cheo realizó numerosas giras internacionales y presentaciones en muchas partes del mundo como Zaire en África, Japón, casi todos los países Latinoamericanos y algunos de Europa. Por supuesto, los éxitos de la agrupación no se hicieron esperar. Cheo encantó al mundo con la versión extendida de "El Ratón", tema de su autoría. Así mismo grabó con la All Stars los temas"Anacaona", "Nina", "Inolvidablemente", "Felicitaciones", "La Borinqueña", "Yo sigo amando a esa mujer" y "Busca Lo Tuyo", los cuales hacen parte de la larga cadena de éxitos en la prodigiosa voz de nuestro gran Cheo. 4. Cheo como solista A la par con su participación en Fania y de otras orquestas, en plena madurez de su carrera artística, Cheo decidió iniciar su carrera musical como cantante solista con su propia agrupación. Entre 1972 y 1982 realizó nueve discos en formato de LP. Siete de ellos son:With A Little Help From My Friend, 1973; Felicidades, 1973; The Singer, 1976; Mi tierra y yo, 1978; Estampas, 1979; Sentimiento Tú, 1980; y Profundo, 1982. También se cuentan dos más, de corte romántico, pues otra faceta destaca de su estilo de cantar es que le permite interpretar boleros. Cheo logró consolidarse como uno de los más reconocidos cantantes soneros de la Salsa en todo el mundo, grabó en estos discos, temas clásicos, entre los que mencionamos solo algunos, vale decir "Mapeye", "Felicidades", "Canta", "Lamento Guajiro", "Así Soy", "Amada Mía" (José Nogueras), "Amiga", "Por Si Te Vuelvo A Ver", "Como Un Tatuaje", "Mentira" y "Yo No Soy un Ángel", "Periódico De Siempre". Un hecho fundamental y muy destacable en la vida artística y en la obra musical de Cheo fue contar con la contribución Tite Curet Alonso, la pluma de Oro de la Salsa, quien fue no solo el compositor de grandes éxitos de Cheo, sino, como ya lo dijimos, su amigo y su consejero en los momentos difíciles. En el catálogo salsero se destacan ampliamente temas compuestos por Tite en a voz de Cheo, como "Sobre Una Tumba Humilde", "Salí Porque Salí", "Estampa Marina", "Los Entierros", "Naborí", "Salome", "Sasaludando", "Felicitaciones" y "Juan Albañil", de Tite grabó más de 45 números. En 1983, al lado de su inseparable esposa Socorro Prieto "Coco", Cheo creó su propia empresa disquera. La compañía fue bautizada como Coche Records, (nombre originado en una combinación de los apodos Coco y Cheo: Co-Che), la cual dos años más tarde publicaría su primer disco grabado en vivo en el Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré, con el cual Cheo celebró su aniversario número 25 como artista de la máxima expresión del barrio latino. Con su disquera grabaron cuatro álbumes más, Regresa El Amor, Sabor y Sentimiento, Te Regalo Mi Sabor Criollo y Como Tu Lo Pediste. Cheo firmó contrato con la empresa de Ralph Mercado, RMM Records. Con esta compañía grabo en la década de los noventa los discos Los Feelings de Cheo, Cantando, Motivos, Un Solo Beso: Cheo Feliciano Interpreta a Armando Manzanero y Una Voz...Mil Recuerdos. 5. Otras grabaciones y participaciones Durante las últimas tres décadas, Cheo ha participado también en muchas otras grabaciones con músicos y cantantes como: Impacto Crea, 1974; Larry Harlow, 1973;Tito Puente, 1979; Eddie Palmieri, 1981; Pedro Conga, 1985; Isaac Delgado, 1998; Orquesta Aragón, 1999; Bobby Valentín, 2002; Tito Nieves, 2002; Yuri Buenaventura, 2003; Johnny Pacheco, 2004; Ismael Miranda 2005; Víctor Manuelle 2006; Charlie Sierra y Su Orquesta, 2009. Su prolífica vida musical le ha permitido hacer parte de destacados trabajos musicales en el mundo de la Salsa y recibir merecidas condecoraciones. Ha hecho parte de álbumes muy especiales como Larry Harlow: Hommy, A Latin Opera, Tito Puente: Homenaje A Beny Volumen 1 y 2,Eddie Palmieri : Grammy 1981, Combinación Perfecta: La All Stars de Ralph Mercado y Tropical Tribute To The Beatles. De igual forma ha honrado con su presencia muchísimas grabaciones y celebraciones musicales de muchos colegas músicos y cantantes de nuestra música, como cantante y corista. 6. Premios y Reconocimientos La grabación de 1971 para el sello Vaya que ya mencionamos, titulada Cheo, no sólo fue su reaparición. Este álbum rompió records de ventas en su momento y contiene canciones escritas, como ya lo hemos dicho, por Tite Curet Alonso. Por ese trabajo musical,"Cheo" recibió numerosos premios, incluyendo el Front Page Award (Premio Primera Plana) del diario New York Daily News. Cheo recibió también otros premios y reconocimientos como: La Copa de Oro en Venezuela en el año 1975; obtuvo por primera vez elBúho de Oro en Panamá en 1979; Feliciano es nombrado Hijo honorífico de la ciudad de Ponce en 1982; recibió un homenaje del Senado de Puerto Rico en 1984; se hizo merecedor de su segundo Búho de oro en la ciudad de Panamá, en 1985; le rindieronhomenaje en el decimotercer Festival de Salsa Winston en 1990; la Combinación Perfecta se hizo merecedora de un Disco de Platino con la participación de nuestro gran Cheito Feliciano en 1995; recibió por segunda ocasión un merecido Homenaje por parte del Senado de Puerto Rico en el año 1999; y finalmente, en noviembre de 2008 celebró los 50 años de actividad en la música con el premio "Excelencia Musical", otorgado por los Premios Grammy Latino en una ceremonia en Texas."Este premio es lo más grande que he recibido en mi vida," dijo Feliciano a un diario en San Juan. 7. Reconocimiento y homenaje Cheo es el cantante del pueblo, del barrio, de la familia. Llegó para quedarse en el corazón de los salseros. Se convirtió en un estandarte, un ícono y un ídolo para varias generaciones de amantes de la música latina en todo el continente. Por tanto, nuestro portal en Internet se complace en realizar este trabajo artístico musical de nuestro gran sonero ponceño para todos nuestros lectores y oyentes en la red. Queremos resaltar el gigantesco aporte realizado por el gran Cheo a nuestra cultura musical. ¡Gracias, maestro José Luis Ángel Feliciano Vega por todo su legado! ¡Qué Viva La Música! ¡Qué Viva La Salsa! ¡Qué Viva Cheo Feliciano!

Tito Rodriguez

resentación
Pablo Rodríguez Lozada “Tito” Rodríguez

No cabe duda de que la mayor parte de los exponentes de Nuestra Música provienen de Puerto Rico. La conocida Isla del Encanto ha visto nacer grandes compositores, músicos y cantantes de la talla de Rafael Hernández, Pedro Flores, Tite Curet, Noro Morales, Daniel Santos, Ismael Rivera, Rafael Cortijo y Héctor Lavoe. En el Salsero del mes de mayo de nuestra página hacemos referencia a una de las más grandes figuras de nuestra música latina; se trata del músico, director, productor, compositor y cantante Boricua Pablo Rodríguez Lozada: Tito Rodríguez. Treinta y cinco años después de su muerte, su gran legado musical sigue vigente.

Para nadie en nuestro folclor es un misterio que la voz de Tito se haya convertido en un murmullo maravilloso, dueño de un estilo único y armonioso para interpretar, mambos, guarachas, rumbas, chachachás y sobre todo, boleros.

Tito nació en Santurce en 1.923 (la misma cuna de muchos músicos y cantantes como Chivirico, Daniel Santos, Andy Montañez, Rafael Cortijo, Tommy Olivencia, Perico Ortiz,Maelo, Marvin Santiago), hijo de padre dominicano y madre cubana. De sus cincuenta años de vida dedicó 36 a la música, tiempo que le bastó para convertirse en un icono de nuestro folclor musical.

Su carrera artística se inició desde muy temprana edad. A los catorce años ya había grabado su primer canción titulada “Amor Perdido” con el músico Ladislao Martínez; a los quince, integró el Cuarteto Mayari como segunda voz y tocando las maracas. En 1.939, ya huérfano de padres, viajó a Nueva York para reunirse con su hermano mayor Johnny Rodríguez, y allí continuó con su carrera musical, integrando respectivamente el Cuarteto Marcano y el Cuarteto Caney. También hizo parte de las orquestas de Enric Madriguera, Noro Morales, Xavier Cugat y José Curbelo, y participó en grabaciones de Machito, al lado de Chano Pozo.

Tito inició su carrera musical con su propia agrupación en 1.947, primero con un quinteto, luego con un conjunto de trompetas y posteriormente con su propia orquesta, que se llamó Los Lobos del Mambo, con la que firmó para el sello Tico Records en 1.949. Tito se interesó por tomar clases formales de música, por lo que ingresó a estudiar en el Julliard Musical Conservatory, tomando clases de percusión, vibráfono y xilófono.

En 1953 cambió de casa disquera, firmando con la empresa RCA Víctor. Su banda se convirtió en “Tito Rodríguez y su Orquesta”, en la cual permanecería por casi siete años, luego de los cuales firmó contrato como artista exclusivo con la división discográfica de la empresa cinematográfica United Artists.

La orquesta de Tito Rodríguez se convirtió en la competencia de Tito Puente y, al lado de la banda de Machito, forman el trío de agrupaciones musicales base de lo que tres lustros mas tarde se conocería como la Salsa en Nueva York.

Su primer trabajo musical con la empresa RCA se llamó Live at the Palladium. Realizó otras grabaciones con este sello musical como Back Home In Puerto Rico, con un amplio grupo musical. Posteriormente realizó el álbum From Tito Rodríguez with Love (DeTito Rodríguez con amor) un auténtico éxito de ventas que incluyó la canción "Inolvidable" del músico cubano Julio Gutiérrez. Este trabajo musical se realizó con un grupo de músicos más reducido, con el cual incursionó de lleno en el bolero, en el que interpretó verdaderos éxitos como “Tiemblas”, “Llanto de Luna”, “Toda una vida”, “Condenado al a distancia”, “Ya son las doce” y “Un cigarrillo, la lluvia y Tu”. Pero en 1966, Tito Rodríguez disolvió su agrupación porque se presentaron inconvenientes contractuales con los empresarios y algunos de sus colegas. Decidió radicarse en Puerto Rico, donde creó un programa de televisión en un canal boricua a través la compañía matriz de United Artists.

También creó su propio sello disquero, TR Records, en 1.969. El primer álbum del sello se tituló Inolvidable/Unforgetable. En agosto de 1971 grabó su segundo álbum, Palladium Memories. Tito grabó con Louis Ramírez el disco Algo Nuevo. La celebración del 25 Aniversario de su vida musical se grabó en un club nocturno en Perú, y el disco se publicó un mes antes de su muerte, ocurrida en Nueva York el 28 de febrero de 1.973, producida por la leucemia.

Ya somos tres las generaciones que hemos disfrutado de la maravillosa voz de Tito Rodríguez, con el privilegio de que en la actualidad exista la tecnología para conservar de la mejor manera su legado musical.

Desde este, nuestro sitio en la red, www.latinastereo.com, queremos homenajear a nuestro gran Tito Rodríguez cumplidos 35 años de su muerte. Su voz y su música le siguen haciendo INOLVIDABLE…

¡Que viva la música!
¡Que viva la Salsa!
¡Que viva Tito Rodríguez!